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Siuatl de huidas guerrillas y fandangos
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Siuatl

SíuatlEntrevista realizada por Anna Rossell a la actriz Abril Mondragón y al director teatral Braulio Amadís con motivo de la representación en Barcelona de la obra Siuatl de huidas, fandangos y guerrillas.

Siuatl de huidas, guerrillas y fandangos parte del asesinato de una niña a manos del ejército para enfrentar de manera poética el presente y el pasado de su linaje que, durante tres generaciones, buscará la sanación del perdón.

Siuatl es la historia de tres generaciones de mujeres.

Siuatl es el símbolo de la mujer mexicana hecha de guerrillas, de huidas, de montes y sierras, del amor a un hombre y de la fuerza desgarradora de ser madre.

Siuatl son las paradojas de una historia que puede ser la de todas, es sabernos vivos hasta que conocemos la muerte, es descubrir que no reconocer nuestro pasado es distanciarnos de nosotros mismos.

Siuatl es reconocer el dolor de las generaciones que nos antecedieron para continuar bailando el fandango de la vida.

Siuatl

 

He sabido que Siuatl es fruto de tu trabajo de final de licenciatura en la Escuela Nacional de Arte Teatral. ¿Cómo se te ocurrió la idea del proyecto?

A.M: La idea surgió hace seis años, cuando mi abuela materna nos contó a Enid[1] y a mí, sobre la muerte de su hija Cata en manos de los militares. El impulso de ponerle voz a esta historia me rondó por la cabeza durante toda la carrera, hasta que logramos en 2016, tener un work in progress[2] en Barcelona.

¿Cómo te documentaste?

A.M: Durante medio año comencé a grabar de manera audiovisual las visitas que hacía a mi abuela, sus anécdotas, las leyendas que se sabía, los momentos juntas cocinando, etc. Hice lo mismo con mi madre, para saber también su visión sobre la vida con mis abuelos (sus padres) y la relación con los hermanos.

El work in progress de Siuatl se estrenó en Barcelona a finales de 2016… ¿Por qué en Barcelona?

A.M: Yo conocí el teatro gracias al Centro Cultural El Tecolote[3]. Y fue ahí donde conocí a Enid Negrete, quien es la fundadora de la Fundación Arte contra Violencia, que se inició como una beca llamada José Luna González, donde se elegía cada año a un/a alumno/a del Tecolote para realizar una estadía en Barcelona y adquirir conocimientos profesionales en áreas como música y teatro. En 2016 es cuando se me otorga esta beca y pudimos tener la primera aproximación de lo que hoy es Siuatl.

¿Cómo se desarrolló el work in progress?

A.M: Durante un mes estuvimos trabajando, primero en el texto, con la dramaturga Anna Rossell, y con la estructura dramática del mismo. Después, con Laura Aubert, en la creación de los personajes y el trabajo actoral. Contamos con el apoyo de muchas otras personas, la Bibliomusicineteca[4] nos proporcionó el espacio para ensayos y la presentación.

¿Por qué el nombre Siuatl?

A.M: Siuatl significa «mujer» en nahuatl[5], y para nosotros era importante el rostro y el papel de la mujer en los diferentes contextos y circunstancias. ¿Qué pasaba con las mujeres en la sierra en la época de la revolución? El cómo afecta un solo hecho, el de huir, por ejemplo, no solo a una mujer, sino a su hija y a la hija de su hija; cómo viven las mujeres las huidas, las guerrillas, el campo, el matrimonio, la maternidad, las muertes… Eso es Siuatl.

Abril Mondragón

Una vez puesta en escena como work in progress, ¿cuánto tiempo tardasteis en desarrollar la obra hasta la actual puesta en escena?

B.A: Ha sido un proceso de año y medio. Principalmente el proceso se ha dividido en la creación de un libreto pensado para la escena. Lo que quiere decir que cuando escribíamos cierta escena ya realizábamos una previsualización de la escena. El hecho de que haya existido un work in progress dio la pauta de descubrir con qué lenguajes escénicos queríamos trabajar.

A.M: Ha sido un trabajo arduo de año y medio, la investigación nos tomó más tiempo de lo esperado, pero ha valido completamente la pena.

¿Se ha estrenado esta puesta en escena en algún otro lugar?

B.A: Una vez terminada una versión del libreto, presentamos en el Centro Cultural El Tecolote, en 2017, una especie de lectura dramatizada sin el libreto en la mano. Es decir se memorizó el texto, se plantearon distintas convenciones con el público y el juego con los audiovisuales. Esto nos sirvió de mucho porque la comunidad del Tecolote nos dio sus impresiones, lo cual era muy importante para nosotros porque esta puesta en escena está hecha con sus historias. Fue entonces cuando la estructura del montaje fue más clara y potenció el discurso de la puesta en escena. Antes creíamos que el final tenía que ser un fandango para terminar con una celebración sin embargo pasó que se olvidaba todo lo planteado en la obra y decidimos cambiar el final. Principalmente fue porque nos convertíamos en un folleto de esperanza, ajeno a la situación actual de Guerrero. Darnos cuenta de ello nos ayudó mucho, porque tomamos la decisión de tomar distancia a la hora de tomar un juicio o usar la escena para proponer una idea política. Sí creo en el Teatro como un espacio de la comunidad para ejercer la política, pero creo que lo que lo convierte en ello es el acto de reunión y no un discurso político dicho para que los espectadores lo oigan. 

A.M: Sí, realizamos una primera prueba con público en junio del año pasado, en Arcelia, Guerrero. Esto con la intención de saber cómo lo tomaba la gente de esta zona y compartir sus impresiones. Después tuvimos un preestreno, justo antes de esta gira en Europa, en una escuela en la ciudad de México, con adolescentes y jóvenes adultos. La intención en esta ocasión fue saber cómo lo tomaban los jóvenes de la capital, al no tener esta realidad tan cercana. Fue muy interesante para nosotros escucharlos al final de la función tan conectados e identificados con Siuatl.

¿Hay gran diferencia entre el work in progress y la actual puesta en escena?

B.A: Sí. Mi pregunta principal al ver el work in progress era ¿por qué esas historias le van a importar a los demás? Pregunta que al momento de empezar a trabajar se transformó en ¿Cómo hacemos que esta historia sea la historia de todos? Lo cual nos llevó a la paradoja de que entre más ahondábamos en el  universo micro particular y privado más se explicaba el universo macro político de la situación actual de Guerrero y México. En lo particular en este montaje yo vi imágenes de la vida cotidiana que aparecen pero que son desapercibidas pero que puestas a lado de alguna noticia cobraban una potencia para entender la realidad actual.

A.M: Sí. Pasamos aproximadamente medio año solo en trabajo de investigación, y fuimos encontrando casualidades bastante impresionantes. Como por ejemplo, cuando mi abuela huyó de la sierra, fue justamente cuando se le dio el voto a la mujer en México. El asesinato de mi tía Cata sucedió entre la muerte de Lucio Cabañas y el asesinato de los estudiantes de Tlatelolco, en la Ciudad de México. Todos estos acontecimientos están involucrados directa o indirectamente con la historia familiar y esto era algo que mi director estaba buscando que yo entendiera: «tu historia debe convertirse en la historia de todos».

¿La obra presenta varios personajes… ¿Por qué decidisteis que fuera una obra unipersonal?

B.A: A mí no me tocó la decisión de que fuera unipersonal en un principio, pero sí la de presentar varios personajes. Dichos personajes aparecieron como una necesidad de entender desde varios puntos de vista la situación actual de las mujeres y la posición de Abril ante los relatos de su abuela y su madre. Trabajando con estos dos principios fue que también los distintos lenguajes de la obra se presentaron. Por ejemplo, cuando Abril-Actriz, el lenguaje es testimonial; Abril-Conductora se encarga de los datos documentales; Abril-Abuela ficcionaliza a la abuela de Abril en distintas etapas de su vida.

A.M: Tiene que ver con la intimidad. Ya que es una obra que parte de un recuerdo familiar, era importante para nosotros mantenerlo así. Uno de los grandes retos de que sea unipersonal es la vulnerabilidad directa con el público, pues no hay nadie más en el escenario.

Braulio Amadis
Braulio Amadis

¿Por qué trabajáis con máscaras?

B.A: Para mí el trabajo de máscara era una manera de encarnar a los personajes familiares que se presentaban en la obra. En cuanto al proceso creativo, crear las máscaras no sólo era crear un personaje, sino crear el rostro de la persona que vivió dicha historia y con la cual Abril tiene un vínculo emocional. No es sólo el uso de una máscara como personaje, sino la puesta de lo que la memoria nos dice en su rostro para luego encarnar dichas personas emotivamente y corporalmente. Son la memoria, que está presente con el rostro.

A.M: Fue algo que sucedió casi como consecuencia (así como muchas cosas en la creación de la obra) teníamos la idea de las mujeres de la familia, su linaje, como recuerdo, como fantasmas, como sueños. Y esta idea se reflejaba en escena primero como fotografías y pocos a poco se fueron convirtiendo en máscaras.

Se trata de una obra crítica con los gobiernos mexicanos, incluso con el ejército… ¿Creéis que os puede comprometer de algún modo?

B.A: Si nos compromete en algo es a que las imágenes puestas en la obra no vuelvan a suceder. La manera en la que la obra critica al gobierno y al ejército no es recriminándolo ni señalando con hincapié los actos que ha cometido, sino poniendo un discurso político tal cual, o la nota periodística de acontecimientos que decantaron en la situación actual. Algo importante para mí es no caer en la habitual queja hacia el gobierno o el ejército; en lo personal, para mí, ya pasó ese tiempo y solo nos ha llevado al desgaste, razón por la cual tratamos de evitar juicios o soluciones de la realidad. La postura es poner dichas imágenes al lado del universo íntimo que fue afectado por alguna estructura de poder, pero sin ninguna relación más que la edición de qué va antes y qué después. Dichas relaciones las genera el espectador a partir de su lugar íntimo y posición política.

A.M: Uuff… No lo sabemos. En algún momento lo hemos pensado, sobre todo cuando la presentamos por primera vez, en Arcelia, justo una semana antes de estar ahí, habían sitiado la ciudad por un conflicto de narcotráfico.

¿Creéis en la fuerza socialmente transformadora del teatro?

 B.A: Sí. El Teatro es un lugar donde nos transformamos al encontrar nuestras miradas en los otros. Es un acto comunitario en el que se puede transformar la realidad y transformarnos nosotros mismos como individuos. Creo que la transformación está en el acto de juntarnos, y no en el de usar el teatro para verter discursos transformadores o denuncias urgentes (lo cual sí creo que sea necesario y urgente hacerlo en la realidad actual). Para mí la fuerza socialmente transformadora del teatro ocurre en dos momentos: Uno al intervenir con el Teatro un espacio y tiempo donde ponemos las cosas que nos son ajenas en la realidad, pero que puestas en un acontecimiento escénico recobran su potencia para entender y transformar la realidad actual; otro momento es cuando dejamos de encontrarnos con las miradas de desconocidos y regresamos a casa, es ahí en el regreso donde nuestro cuerpo se transforma y puede empezar a cambiar la realidad.

A.M: Sí, justamente por eso es por lo que entendí lo que buscaba mi director al insistir sobre que mi historia debía convertirse en la historia de todos. El teatro es eso, un reflejo de nosotros mismos, una manera de entendernos, de reconocernos, de vincularnos, de voltearnos a ver. Y me parece que el reto es lo que viene después de ver una obra de teatro, la pregunta de ¿y ahora que hacemos con todo esto?

¿Cómo seguirá la gira?

B.A: Seguirá con una presentación alternativa en la Casa México de París, Francia, y dos funciones más en el Teatro El Arlequín, de Madrid, España, el día dieciocho de marzo de 2018.

A.M: Además de las cuatro presentaciones en Barcelona, tenemos una función en París, el catorce de marzo y otra en Madrid, el dieciocho de marzo. Toda la información viene en nuestra página en facebook Siautl de huidas, guerrillas y Fandangos.

¿Habrá gira en México?

B.A: Sí, seguro. Estamos trabajando en ello.

A.M: Sí, tendremos una temporada en la Ciudad de México a mediados de este año y estamos organizando ya una gira por todo el estado de Guerrero.

Anna Rossell: Muchas gracias y mucho éxito.


Siuatl de huidas, fandangos y guerrillas se representará:

1, 2, 3, 4 de marzo, en el ático del Teatre Tantarantana, Barcelona

14 de marzo, en la Casa de México, París

18 de marzo, en el Teatro Arlequín, Madrid


[1] Enid Negrete, coproductora de la obra

[2] Work in progress: obra dramática en esencia. Esta esencia se desarrollará más tarde y se convertirá en obra de teatro completa

[3] http://mexico-nostalgia.net/arcelia/taller-del-tecolote/

http://www.mexicoescultura.com/recinto/67202/centro-cultural-el-tecolote.html

https://www.facebook.com/ElTecoloteCentroCultural/

[4] La BiblioMusiCineTeka, Espacio Cultural: http://www.bibliomusicineteca.com/

[5] Náhuatl: macrolengua yuto-nahua que se habla en México por lo menos desde el siglo V.


 

Anna Rossell

Anna Rossell

Anna Rossell (Barcelona –España, 1951)

De 1978 a 2009 profesora titular de la Universidad Autónoma de Barcelona en la especialidad de Lengua y Literatura Alemanas (Filología Inglesa y Germanística) y crítica e investigadora literaria en Barcelona, Bonn y Berlín.

Actualmente se dedica a la escritura creativa, la crítica literaria y la gestión cultural. Como gestora cultural organiza los recitales poéticos anuales estivales Poesía en la Playa, en El Masnou (Barcelona) y ha sido miembro de la comisión organizadora de los encuentros literarios bianuales entre continentes TRANSLIT. Actualmente organiza los Recitals de Poesia i Música VinsIdivina.

Colabora regularmente en numerosas publicaciones periódicas literarias nacionales e internacionales: Quimera, Ágora de arte gramático, Crítica de Libros, Revista Digital La Náusea, Realidades y ficciones, Las nueves musas, Nueva Grecia, Terral, Núvol y en revistas especializadas de filología alemana.

Entre sus obras no académicas ha publicado los libros Mi viaje a Togo (2006), El meu viatge a Togo (2014), Viaje al país de la tierra roja, Togo y Benín (2014), Viatge al país de la terra roja, Togo i Benín (2014), los poemarios La ferida en la paraula, (2010), Quadern malià / Cuaderno de Malí (2011), Àlbum d’absències (2013), Àlbum de ausencias (2014), Auschwitz-Birkenau. La prada dels bedolls/La pradera de los abedules (2015) y las novelas, Mondomwouwé (2011) y Aquellos años grises (España 1950-1975) (2012), Aquells anys grisos (Espanya 1950-1975) (2014).

Es coautora del libro de microrrelatos Microscopios eróticos (2006).

Cuenta en su haber con algunas traducciones literarias del alemán al español, entre ellas El Elegido, de Thomas Mann.

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