Las nueve musas
Núria Guinovart.
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Núria Guinovart. La belleza del silencio

“Bella soy, oh mortales, como un sueño de piedra,

mi seno, en el que unos y otros se nutrieron,

se hizo para inspirar el amor al poeta,

un sueño silencioso, cual la materia eterna…”

 

Charles Baudelaire. (La belleza). Los mejores poetas franceses

 

“…llega un punto en que percibo que la obra y yo, somos un mismo elemento”

“Me gusta que mis cuadros sean simples, nada rebuscados”

 

Núria Guinovart

 

 Para el poeta simbolista francés Charles Baudelaire la belleza se entiende como algo ficticio, sometiéndose a la observación del poeta, aunque él la explore en sus poemas.

Normalmente la belleza se define como “la característica de una cosa que a través de una experiencia sensorial procura una sensación de placer o un sentimiento de satisfacción”.

Núria Guinovart.En consecuencia, cuando vemos la obra de la artista Núria Guinovart (Barcelona. 1961) nos damos cuenta de que el concepto de belleza es una manera de sentir y experimentar el arte desde una perspectiva singular e innovadora, que hace que prestemos atención a sus propuestas plásticas, que nos han de servir para comprender mejor, o al menos que podamos aproximarnos a la verdadera esencia del arte, en este caso la pintura y la cerámica, haciendo que nuestro interés por ambas nos ayude a estimarla.

En cuanto al silencio, interpretado como un instante de reflexión después de la comunicación y así entender mejor el mensaje recibido, se encuentra en cada una de sus obras, a las que personalidades como el poeta Carles Duarte, definen como “espacios de silencio”, o del pintor Gabriel Rigo, que califica a la artista como una “alquimista del silencio”.

Sala ParésRecientemente en la barcelonesa Sala Parés hemos podido contemplar el último trabajo de Núria Guinovart mediante un gran número de pinturas y cerámicas que llenaban toda la sala principal. La Parés está considerada la galería de arte activa más antigua de la ciudad, ya que fue inaugurada en 1840 como tienda de artículos de bellas artes, aunque más tarde, en 1877, se convirtió en sala de exposiciones. Su director es Joan Antón Maragall, nieto del poeta, escritor y traductor Joan Maragall. Guinovart lleva exponiendo sus obras de manera periódica en esta galería desde hace diez años. De hecho, es la primera ocasión que en la sala principal se muestran obras abstractas, ya que solamente se exhiben en la sala anexa o en la primera planta. Por tanto, esta circunstancia tiene su importancia, ya que la galería siempre ha apostado por el arte figurativo catalán.

Núria Guinovart.El abuelo y el padre de la artista fueron sus principales valedores para que se dedicara al arte, aunque el primo de su padre, el reconocido pintor, grabador y dibujante informalista Josep Guinovart, también fue uno de sus referentes. Ella se define como artista autodidactica, pero en realidad no es cierto del todo ya que su formación ha sido constante, como por ejemplo los estudios de escultura realizados en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, más conocida como La Llotja. Asimismo, frecuentó el taller de Toni Ferrer, donde tomó clases de dibujo y pintura y también cursó estudios de Delineación. Posiblemente su estancia en la ciudad italiana de Bérgamo en 1993, en el taller del reconocido artista Antonio di Martino, significó un punto y aparte en su devenir creativo. Allí conoció de cerca la técnica de la encáustica y a la vez descubrió las ventajas de emplear el cemento a nivel pictórico. Finalmente, también ha efectuado algunos cursos de grabado, moldes y cerámica.

Núria Guinovart.Su primera exposición tuvo lugar en La Llotja en 1993, por lo que lleva 25 años dedicándose a la pintura, aunque en la exposición de la Sala Parés también ha presentado un conjunto de cerámicas. Además, ha obtenido diferentes premios en certámenes de pintura, como es el caso del Primer Premio de Pintura Juan Ramon Masoliver de Montcada i Reixac (Barcelona), en 2007. Su obra siempre se ha movido entorno a la abstracción, empleando habitualmente la materia y el color en sus composiciones geométricas, siendo sus referentes algunos de los representantes más destacados del expresionismo y del informalismo abstracto, como son Mark Rothko, Albert Ràfols-Casamada y Joan Hernández-Pijuan.

Dentro del ámbito pictórico emplea diferentes materiales: alquitrán, ceras, barnices y el cemento asísmico, material del que hasta hace pocos años no tenía conocimiento, y sí en cambio del fibrocemento o del mismo cemento, pero ella misma me comentó que se refería a un tipo de cemento a prueba de terremotos, muy usado en Japón, que a la vez es tan flexible como, pongamos por caso, la fibra de vidrio. Todos estos materiales los coloca en superficies como el porexpan o la madera. El interés por la materia no le viene de nuevo, ya que en la década de los 80 ya se sentía atraída por el reciclaje que, hoy en día, despierta tanta pasión en los jóvenes artistas. Investigaba y experimentaba con materiales de desecho o creados para otras finalidades, reutilizándolos y a la vez creando nuevas composiciones pictóricas. Para ella es importante “utilizar elementos que no son bonitos de entrada, pero que puedes transformar y llevar a tu territorio”.

Los materiales que suele emplear le permiten actuar directamente en el propio soporte, haciendo agujeros o incisiones, lo que podríamos denominar como grattage, tanto vertical como horizontalmente, lo que recuerda en cierto modo la idea del espacialismo y a su vez, al incluir   materia produce sensación de collage, aunque sólo se trate de una ilusión óptica.

En etapas anteriores los colores preferentes eran los neutros, primordialmente los grises, así como los verdes, azules y sepias, cromáticamente muy suaves y tenues, que pueden ocasionar en el espectador una cierta percepción de desasosiego, pero solamente lo es a primera vista, ya que si observamos con más detenimiento las obras ocurre todo lo contrario. En algunas series precedentes se perciben ciertas reminiscencias del pasado, pero no por los materiales usados, sino por la forma de mostrarlos. Sus pinturas parecen llevarnos tanto al arte prehistórico, debido a la presencia de esgrafiados o figuras esquemáticas, como al arte románico, principalmente por la idea de muralismo.

En la exposición de la Sala Parés, La belleza de las sensaciones, se perciben diversos cambios respecto a muestras anteriores, tanto en el terreno cromático como por la exhibición, por primera vez, de sus cerámicas. Ahora, la circunstancia de que surja el color turquesa, o lo que es lo mismo la combinación del azul y del verde, en algunas de sus obras actuales, no resta protagonismo a las grandes manchas que ocupan la mayor parte de la composición, así como la aparición de unas delicadas líneas negras que dan sensación de equilibrio. Además, la idea de paisaje solitario y silencioso que observábamos en la anterior exposición se aleja de los postulados actuales, en los que podemos identificar ciertas estructuras geométricas.

En sus cuadros existe una doble intención, por un lado la importancia del espacio vacío, al dejar determinadas zonas con tonalidades grises y blancas, con lo que la obra puede respirar, y por otro la sensación de espacio lleno, debido a la inclusión de formatos rectangulares de diversos tamaños y colores, colocados tanto horizontal como verticalmente, ocupando la mayor parte del cuadro, pero siempre los unidos unos a los otros, como si se estuvieran apoyándose mutuamente, o que fueran un solo conjunto.

Núria Guinovart.Respecto al apartado de la cerámica, es aquí donde descubrimos una nueva manera de expresar sus ideas, adentrándose en un terreno hasta la fecha desconocido para ella, pero que le permite ofrecer otras formas de entender el arte. De todos modos, esta vertiente tridimensional, que también podemos asociarla a la escultura, no está muy lejos de sus planteamientos pictóricos. La representación de la cerámica mediante unas figuras indefinidas, en las que las formas estructurales aparecen separadas, como si tuvieran vida propia, les otorga una identidad muy singular, acentuadas a nivel cromático, donde predominan también los turquesas, los sepias y los neutros. Se ha de valorar el hecho de su predisposición por conocer de cerca esta técnica tan antigua, demostrando que un artista nunca debe dejar de experimentar y a la vez ir a la búsqueda de lo que ignora o no conoce lo suficiente.

Ramon Casalé Soler

Ramon Casalé Soler

Ramón Casalé Soler (Barcelona. 1955)

Museólogo, historiador y crítico de arte

Miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Miembro del Consejo Internacional de Museos (ICOM)

Licenciado en Geografía e Historia, especialidad en Historia del Arte (Univ. Barcelona)

Máster en Museología y Patrimonio Cultural (Univ. Barcelona)

Curso de Anticuario (Barcelona)

He formado parte de la Junta Directiva, con el cargo de Tesorero, de la Asociación Catalana de Críticos de Arte (ACCA), durante el período 2001-2016

Colaborador del programa de radio “Formas y Ängulos en las cadenas Onda Cero y COPE de Barcelona durante 7 años

Excoordinador de Artes Plásticas del Museo de la Marina de Vilassar de Mar (Barcelona)

Exdirector artístico de la Galería de Arte Sant Pol Art, de Sant Pol de Mar (Barcelona)

Fui corresponsal en España de la revista italiana ARTE IN de Venecia durante 20 años

Formaba parte del Comité de Redacción de la revista digital Mur Crític (ACCA)

Actualmente soy crítico de arte de la revista BONART de Girona, de la revista digital Arqnou de Masnou (Barcelona), del periódico L’Independent de Gràcia de Barcelona y del Full Informatiu de la Societat Catalana d’Arqueologia

Asimismo, he sido crítico de las revistas Batik, Arte Omega, Marte de Barcelona, Papers d’Art de Girona, Zerovuittresquaranta y Vilassar Actiu de Vilassar de Mar (Barcelona), entre otras publicaciones, desde los años 1987 hasta la actualidad

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